Vivaldi’s four seasons - classical apps Ltd

Traduction d’extraits de textes de l’application iOS (par Fabienne Miqueu)

Vivaldi’s four seasons- classical apps Ltd

MAX RICHTER

Compositeur, pianiste, producteur, remixeur, collaborateur extraordinaire : Max Richter défie toute définition. Une énigme qu'il est peut-être ; ce qui est incontestable, c'est qu'il est l'un des artistes musicaux les plus prolifiques de sa génération.
Inspiré à la fois par les Beatles et Bach, le punk rock et la musique électronique, Richter allie beauté baroque et minimalisme, orchestration classique et technologie moderne.
Il en résulte un corpus monumental d'œuvres comprenant de la musique de concert, des opéras, des ballets, des installations artistiques et vidéo, de multiples partitions de films, de théâtre et de télévision, ainsi qu'une série d'albums solo de poésie et de littérature qui ont été acclamés.
Parmi ses derniers défis, il a pris l'un des morceaux de musique les plus reconnaissables du répertoire classique - les Quatre Saisons de Vivaldi - et l'a "recomposé" pour le XXIe siècle.
Né en Allemagne et amené en Grande-Bretagne quand il était petit garçon, Max a commencé à prendre des leçons de piano à un jeune âge. Sa connaissance grandissante de la musique classique est tempérée par sa découverte du punk rock : un voyage de découverte qui se poursuit à travers Stockhausen et les minimalistes américains.
Il a étudié à l'Université d'Edimbourg, a obtenu son diplôme à l'Académie Royale de Musique et a terminé ses études à Florence auprès de l'influent compositeur d'avant-garde Luciano Berio.

"J'avais une formation musicale très classique, mais j'étais totalement dans ce qui se passait autour de moi à l'époque au Royaume-Uni au début des années 80 - et c'était l'électronique et le punk ", explique Max. "Les premiers concerts auxquels je suis allé étaient The Clash et Kraftwerk quand j'avais 14 ans. J'adorais l'énergie primitive du punk, mais en même temps j'étudiais la musique classique et j'utilisais des fers à souder pour construire des synthétiseurs analogiques dans ma chambre. Pour moi, ces choses ont toujours coulé ensemble."

Telles sont les diverses influences à l'œuvre dans la musique de Richter : l'esthétique minimaliste qui trace un chemin depuis les compositeurs du début des années 1960 (Reich, Glass) jusqu'au punk-rock et l'invention par Brian Eno de l'ambient electronica dans les années 1970 ; une éducation classique formelle et l'expérimentalisme de l'avant-garde ; les méthodes de cut-up de la musique électronique et la culture cannibale actuelle du remix.
Richter a commencé sa carrière comme membre fondateur de Piano Circus, un groupe classique
contemporain qui a joué et commandé des œuvres de Steve Reich, Arvo Pärt, Philip Glass et Brian
Eno. Max y est resté dix ans et cinq albums, incorporant progressivement des éléments
électroniques et des sons trouvés - les éléments constitutifs de ce qui allait devenir l'une de ses
marques de commerce.
Vint ensuite une période de collaboration avec les musiciens électroniques The Future Sound of
London (1996-98) et Roni Size et Reprazent (2000), lauréats du Mercury Music Prize.
Se détachant de ses collaborateurs, Richter se lance dans ce qui deviendra son premier album "solo",
l'œuvre orchestrale Memoryhouse (2002), qui comprend des sons, enregistrements et voix électroniques. Utilisé plus tard comme bande sonore d'un documentaire de la BBC, Auschwitz - Les
nazis et la solution finale (2005), il a récemment été présenté en première au Barbican (2014).
Son album suivant, The Blue Notebooks (2004), est son premier avec Fat Cat Records et met en
vedette l'actrice Tilda Swinton qui lit des extraits de Kafka.

"Si j'ai envoyé ma démo à Fat Cat, c'est entre autres parce que j'ai entendu le premier album de Sigur Rós et que j'avais l'impression d'entendre Arvo Pärt avec des guitares", dit-il. "Alors je savais que ce serait un bon foyer pour moi."

Viennent ensuite Songs From Before (2006), avec Robert Wyatt lisant un extrait de Haruki Murakami, et un album de sonneries, 24 Postcards In Full Colour (2008).
Son plus récent album solo, Infra (2010), inspiré de The Waste Land de TS Eliot, comprend un piano,
de l'électronique et un quatuor à cordes. Il s'agit d'une extension de la partition de Richter pour une
collaboration commandée par le Royal Ballet avec le danseur Wayne McGregor et l'artiste Julian Opie pour le Royal Opera House.

La musique de Max a formé la base de nombreuses autres œuvres de danse, y compris des pièces
de Lucinda Childs, du Netherlands Dance Theatre, du Ballet du Rhin, de l'American Ballet Theatre, de Dresde Semperoper, du Dutch National Ballet et du Norwegian National Ballet.
Parmi les commandes récentes, citons l'opéra de chambre Sum, basé sur le livre acclamé de David
Eagleman, pour The Royal Opera House, Londres, et Mercy, commandé par Hilary Hahn.
Dans le monde de l'art, Richter a composé le paysage sonore The Anthropocene pour l'installation cinématographique de Darren Almond à la White Cube gallery de Londres (2010) et a collaboré à deux reprises avec le collectif d'art numérique rAndom International, contribuant aux installations Future Self (Berlin 2012) et Rain Room (Londres 2012/New York 2013).
Parmi ses musiques de film, mentionnons la primée Waltz With Bashir (2007) pour le réalisateur
israélien Ari Folman, et sa musique a été utilisée dans plus de 30 autres films et bandes-annonces par des réalisateurs comme Martin Scorsese (Shutter Island, 2010), Clint Eastwood (J. Edgar, 2011), André Téchiné (Impardonnables[Insupportable], 2011), Ridley Scott (Prometheus, 2012) et Terrence Malick (To The Wonder, 2012).
Il a également produit deux disques folkloriques : Lookaftering (2005), l'album de retour de la légende des années 60 de Vashti Bunyan et Rocking Horse de Kelli Ali (2008), l'ancien chanteur de Sneaker Pimps.

Max Richter a reçu de nombreux prix, dont le European Film Award du meilleur compositeur (pour
Waltz With Bashir) et d'autres prix pour ses partitions pour Lore et Die Fremde (When We Leave).
Il a également récemment remporté le prestigieux prix ECHO Klassik d'Allemagne pour l'album qui
fait suite à une invitation de Deutsche Grammophon à "recomposer" les Quatre Saisons de Vivaldi
en 2012 : un succès largement salué qui vient d'être réédité avec des remixes et interprétations ambient supplémentaires que Max appelle "Shadows", ainsi qu'un DVD concert live.
Richter a choisi ses morceaux préférés de la partition et les a remodelés en "nouveaux objets", superposant et bouclant des fragments familiers pour revigorer une œuvre diminuée par la surutilisation dans les ascenseurs, les publicités télévisées et comme téléphone "tenant la musique".

"Je n'ai gardé qu'environ 25 % des notes, mais il y a de l'ADN de Vivaldi dans tout cela ", dit Max. "J'ai gardé les gestes et les formes, les textures et la dynamique. Il y a des morceaux de Vivaldi et des morceaux de moi qui rêvent de l'original, y pensant à voix haute."

Richter croit que le compositeur aurait apprécié ce qu'il a fait de son œuvre vieille de 300 ans.

"Vivaldi était lui-même une sorte de rock star : un violoniste incroyable aux longs cheveux roux, qui a formé un orchestre de jeunes femmes pour jouer sa musique et dont les femmes s'évanouissaient à ses concerts. Les compositeurs ont toujours recyclé et emprunté les œuvres d'autres compositeurs, comme Vivaldi l'a fait lui-même, alors je pense qu'il aurait eu une certaine sympathie pour ce projet".

En mars 2014, à la suite de ce partenariat réussi avec le label jaune, Max Richter a signé un contrat exclusif avec Deutsche Grammophon. Le prochain chapitre de son extraordinaire carrière est maintenant prêt à se dérouler....

Daniel Hope

Le violoniste britannique Daniel Hope a fait le tour du monde en tant que soliste virtuose depuis plus de vingt ans. Il est reconnu pour sa polyvalence et sa créativité musicale, ainsi que pour son dévouement à des causes humanitaires. Hope se produit en soliste avec les plus grands orchestres et chefs d'orchestre du monde, dirige de nombreux ensembles de violons et joue de la musique de chambre dans une grande variété de salles traditionnelles et nouvelles. Il a également été le plus jeune membre du Beaux Arts Trio au cours de ses six dernières saisons. Elevé en Angleterre et formé à la Highgate School de Londres, Hope a obtenu des diplômes à la Royal Academy of Music, où il a étudié avec le pédagogue russe Zakhar Bron.
Surnommé "l'aventurier et le brillant" par le New York Times, Hope a été nommé par le London Observer "le joueur de cordes britannique le plus excitant depuis Jacqueline du Pré". Une revue du New York Times le résumait comme "un violoniste d'une intelligence pénétrante et d'un style autoritaire" et continuait : "Dans une entreprise qui aime les boîtes bien rangées autour de ses marchandises, le violoniste britannique Daniel Hope résiste à la catégorisation. M. Hope, un interprète convaincant dont le travail fait appel au répertoire standard, à la musique nouvelle, au raga et au jazz, met l'accent sur l'engagement réfléchi plutôt que sur un spectacle flamboyant. Dans ses entreprises les plus personnelles, il replace les œuvres classiques dans un contexte plus large - non seulement parmi d'autres styles et genres, mais aussi parmi l'histoire, la littérature et le théâtre - pour souligner le rôle de la musique comme miroir de la lutte et des aspirations."
Hope s'est produit dans toutes les salles les plus prestigieuses du monde et avec les plus grands orchestres, dont les orchestres symphoniques de Boston, Chicago, Toronto et Atlanta, ainsi que les grands orchestres de Berlin, Birmingham, Dallas, Detroit, Dresde, Israël, Londres, Moscou, Oslo, Paris, Stockholm et Vienne. Il s'est produit dans les festivals les plus importants du monde, tels que les BBC Proms et les festivals de Salzbourg, Lucerne, Ravinia, Verbier et Tanglewood.
Il est directeur artistique associé du Savannah Music Festival depuis 2003 et a récemment renouvelé son contrat jusqu'en 2015. Hope est également directeur artistique du prestigieux Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, un festival d'été qui se déroule dans l'une des plus belles provinces allemandes et accueille plus de 120 concerts pour plus de 70 000 visiteurs. En plus des nombreux concerts de chambre et symphoniques du festival, Hope a organisé un concert spécial multigenres pour sensibiliser le public à la crise mondiale du changement climatique, avec le soutien de SAR le Prince de Galles.
Au fil des ans, Daniel Hope a commandé et interprété des dizaines de nouvelles œuvres. En 2009, il a
donné en première mondiale et au Royaume-Uni le deuxième concerto pour violon de Sir Peter Maxwell Davies, Fiddler on the Shore - écrit pour Hope et le Leipzig Gewandhaus Orchestra - à Leipzig et aux BBC Proms de Londres.

« Vivaldi recomposed »

Comprendre comment Richter a utilisé et travaillé des mélodies musicales spécifiques et des
fragments de l'original dans sa recomposition aide à apprécier le génie et la modernité de la
composition originale de Vivaldi. Il en va de même dans l'autre sens.
Cette section présente également une introduction aux quatre saisons, un aperçu de la vie de Vivaldi, y compris les circonstances entourant cette composition et des notes de programme détaillées sur la
version originale et la version recomposée. Mais ce n'est pas tout ! entre les sous-sections, il y a des
vidéos de Susy Klein, Daniel Hope, Max Richter et Avi Avital en entrevue, qui parlent généralement sur les quatre saisons et « recomposed ». Enfin, assurez-vous d'essayer les comparaisons musicales directes entre l'original de Vivaldi et le recomposé de Richter présenté côte à côte via des clips audio dans la section explorant le recomposé de Richter.

Les quatre saisons de Vivaldi n'ont presque pas besoin d'être présentées. Bien que l'unique prétention de ces quatre concertos à la gloire soit d'être la première musique véritablement programmatique jamais écrite. Ils sont un triomphe de l'imagination musicale et de l'inventivité à tous les niveaux.
Pour commencer, les quatre saisons sont tout simplement de merveilleux concertos pour violon, remplis de quelques-unes des mélodies orchestrales les plus mémorables jamais écrites, et d'une virtuosité en solo qui aurait étonné ses premiers publics. En fait, cela fait encore presque 300 ans qu'on a l'impression d'en entendre parler. De plus, bien que nous ne puissions ignorer longtemps leur récit programmatique très détaillé, nous devrions le faire juste assez longtemps pour faire remarquer que, si vous écoutiez les œuvres sans connaître les sonnets qui sous-tendent leurs idées musicales, vous seriez toujours fascinés.
Cependant, creusez un autre niveau et leur récit programmatique peut être apprécié dans toute son
inventivité révolutionnaire. Alors que la musique descriptive (le terme musique programmatique n'a
été inventé qu'au XIXe siècle) était un concept connu à l'époque de Vivaldi, elle se limitait largement
aux représentations généralisées de scènes ou d'émotions. Avec quatre saisons, Vivaldi l'a porté à
un niveau qui ne serait plus jamais bien exposé jusqu'à ce que Berlioz signe sa Symphonie
fantastique plus d'un siècle plus tard.
Zoomez un peu pour trouver des décors pittoresques, le soleil qui brûle férocement la terre ou des
chevaux qui galopent au milieu d'une chasse courtoise et joyeuse. Ensuite, tout est un creuset émotionnel de joie, de désespoir, de tension, de paix et d’humour.
En vous basant sur les fondations structurelles de l'œuvre, vous découvrirez que Vivaldi a accompli tout cela dans le respect des normes structurelles standard du concerto pour soliste du début du XVIIIe siècle.
Et comme si tout cela ne suffisait pas, au cœur du travail, il y a un trésor supplémentaire. Car, avec si peu de preuves documentaires qui nous renseignent sur le personnage de Vivaldi, il n'est pas très fantaisiste de suggérer que l'on puisse regarder les quatre saisons composées avec un soin évident à une époque où la vitesse primait souvent sur la qualité de la composition.
Pour commencer, les concertos nous montrent un compositeur si original et si ambitieux qu'il était
déterminé à porter la musique descriptive à un autre niveau alors que personne d'autre en Italie ne pensait même qu'il s'agissait d'un vide sur le marché. Vivaldi est un vrai vénitien, toujours à la recherche de la nouveauté.
L'obsession de Vivaldi pour l'opéra et le théâtre est également au centre de la scène, dans l'étendue
dramatique des concertos, les exigences théâtrales qu'il impose à ses musiciens et son utilisation de
certaines touches pour déterminer l'humeur. De plus, en supposant que Vivaldi ait écrit ce qu'il aimerait jouer lui-même, les lignes du soliste nous offrent l'image d'un virtuose du violon qui allie mise en scène, agilité technique et énergie vive avec un vif intérêt pour la mise en scène de l'émotion et du récit dramatique.
On a même un aperçu du monde des affaires de Vivaldi. Les quatre saisons sont les quatre premiers
concertos d'une série de douze, publiés sous le titre d'opus 8 sous le titre général de précis
d'harmonie et d'invention (il cimento dell'armonia e dell'inventione). Un tel titre, qui évoque à la fois
l'habileté musicale et l'imagination, est certainement une description appropriée des quatre saisons, mais qui plus est, il montre que Vivaldi a été un vendeur déterminé. Tout d'abord, affirmer l'unité de ce qui était en fait une collection assez hétéroclite de concertos disparates, certains avec des titres descriptifs et d'autres sans, et probablement composés sur un large éventail d'années. Deuxièmement, le titre non trop modeste en soi, poussant l'ensemble comme un produit de qualité.
Donc, les quatre saisons. Une fusion du concerto pour violon avec le monde dramatique et émotionnel de l'opéra, et la preuve que la musique descriptive peut être techniquement virtuose et émotionnelle.
Quatre concertos qui pourraient émouvoir, et même étonner, la population en général, mais aussi satisfaire le connaisseur stylistique.
Les musicologues tiennent souvent à souligner que ces œuvres, avec leur statut quasi-mythologique,
doivent être considérées dans le contexte du reste de la production de Vivaldi pour une compréhension maximale. C'est certainement vrai. Mais si les quatre saisons étaient tout ce que nous avions, nous serions tout aussi proches du vrai Vivaldi. Bref, les quatre saisons sont l'éclat de Vivaldi, brillamment condensé.

On ne peut s'empêcher de penser que Vivaldi aurait aimé, ou du moins qu'il aurait été intrigué avec
enthousiasme par la recomposition. Pour commencer, le concept de réarranger un classique ne lui
aurait pas semblé étranger, lui qui remodelait l'œuvre des autres. Puis, étant donné que Richter s'est
entièrement affranchi des sonnets et de leur récit programmatique, la recomposition est aussi une
preuve indiscutable de la valeur des quatre saisons de musique pure, et comment Vivaldi pourrait-il être autre chose que ravi de cela ?
En ce qui concerne les notes elles-mêmes, l'introduction par Richter de rythmes croisés martelants à
Summer 3 aurait certainement poussé Vivaldi à prendre son propre stylo afin d'expérimenter. Plus tard, la suspension hypnotique de toutes les pulsations significatives en Winter 2 aurait fait sauter les pulsations des vénitiens du 18e siècle d'une toute autre façon (???) .
Enfin, le simple fait que « Vivaldi recomposed » est un hommage indubitable à l'original : un
compositeur du XXIe siècle qui étire ses tentacules musicales pour se relier à son aïeul musical. Le
schéma original des mouvements demeure inchangé, à l'exception mineure du premier mouvement
du printemps qui est maintenant divisé en deux pour permettre une ouverture en guise d'ouverture
pour la mise en scène.
Dans ce cadre, les lignes de Vivaldi ont été intégrées dans un paysage sonore du 21ème siècle dans
lequel le style baroque original partage le plancher avec le minimalisme, l'ambiance, le sampling et
la techno. Parfois, le réarrangement consiste en un changement subtil du rythme ou de la notation
d'une section, ce qui nous amène à nous émerveiller d'un changement aussi dramatique qu'une
modification apparemment minime. Parfois, la mélodie de Vivaldi est conservée, mais la musique qui
l'entoure est altérée au-delà de toute reconnaissance. D'autres fois, un mouvement entier est
construit autour de ce qui n'était à l'origine qu'un minuscule fragment mélodique, ce qui nous donne
le plaisir de savoir où il se trouvait dans l'original et comment il a été modifié. À d'autres moments, des sections entières sont citées presque mot pour mot, mais avec leur humeur encore subtilement
altérée.
On remarque en particulier la qualité filmique de l'œuvre et son impression presque palpable d'espace, comme si l'original de Vivaldi s'était transformé en un paysage musical vaste, magique et nerveux.
C'est comme si la nature était encore là, mais qu'aujourd'hui, elle est passée des saisons à quelque chose de presque géographique.
L'envoûtement dans sa propre recomposition nous oblige aussi à revenir à l'original avec de nouvelles
oreilles et une appréciation accrue.

SPRING 1

En fondu enchaîné à partir du nuage échantillonné électroniquement, un extrait du solo de chant d'oiseau d'ouverture du violon primo (premier mouvement du printemps, mesures 14-17-, explosé en une texture polyphonique dense et forte en huit parties). En dessous, des accords lents font penser simultanément au Claudio Monteverdi, Giovanni Gabrieli et Arvo Pärt. La musique s'intensifie, puis s'arrête brusquement, comme sur un montage électronique.
audio : original mes. 13-27 (32’’) / Richter mesure 60-69 (21’’)

SUMMER 3

L'été 3 commence avec le ritournelle original de Vivaldi, maintenant samplée, et avec l’interruption
enlevée (troisième mouvement, mesures 4-6). Richter utilise une technique de l’hémiole pour faire monter le rythme original, avec une partie de l'orchestre jouant en trois temps et l'autre partie en deux temps.
Comme pour l'été 1, le violon s'élance vers la fin dans un tout nouveau solo angoissé. Le mouvement
s'estompe au deuxième et dernier moment électronique de l'œuvre de Richter (pulsations dissonantes, ambiantes, créées à partir d'enregistrements de l'orchestre ).
audio : original mes.258-268 / Richter mes. 212-221

AUTUMN 2

L'harmonie de Vivaldi reste ici inchangée. Cependant, la mélodie est complètement transformée et
le clavecin a été amplifié au premier plan. En dessous, le reste de l'orchestre scintille. L'impression
générale est celle d'un sommeil de conte de fées futuriste.
audio : original mes.129-138 / richter mes. 135-142

WINTER 1

La ritournelle d'ouverture glaciale et dentelée de Vivaldi est conservée, ainsi que le premier épisode
solo. Cependant, au moment où, dans l'original, l'homme commence à courir (premier mouvement,
mesure 22), un bouton d'accélération est pressé et la métrique rythmique passe de quatre temps à
sept temps, asymétrique et propulsif.
audio : original mes.18-25 / richter mes. 19-33